Episodio 6: Trabajar con actores: Lo que todo director de cortometraje necesita saber
Descargar MP3He visto cortometrajes en la sala de proyección de los Oscar, donde la cinematografía era hermosa, donde el diseño de producción era asombroso, donde la estructura narrativa era impecable, y sin embargo la película no llegó a la lista corta. ¿Por qué? Porque las actuaciones no estaban a la altura. Del mismo modo, he visto películas con una cinematografía mediocre y un diseño de producción discreto, pero con actuaciones brillantes que hacían que esas películas fueran electrizantes. Entonces, ¿cuál es la lección?
Bob Degus:Los actores no son simplemente una parte de tu historia, son tu historia, y eso es lo que vamos a explorar en este episodio. Después de 40 años en Hollywood y haber visto más de 3000 cortometrajes como votante del Oscar? Sé lo que separa un buen cortometraje de 1 que gana premios. Mi nombre es Bob Degus, este es el podcast El Coach de Cine de Hollywood, donde te ayudaremos a TI a crear cortometrajes ganadores de premios. Episodio 6, trabajar con actores, lo que todo director de cortometraje necesita saber.
Bob Degus:En el episodio anterior, el episodio 5, establecimos que la historia es el fundamento no negociable de todo cortometraje, y hoy vamos a profundizar en eso, porque la esencia de lo que hace grande a una historia tiene que vivir en los cuerpos, los rostros y las voces de seres humanos reales que encarnan a tus personajes. En este podcast vamos a observar el puente entre la historia que escribes y la historia que experimenta el público, y ese puente se construye a través de los actores. Entonces, la pregunta es, ¿cómo ayudas a tus actores a dar y ofrecer sus mejores actuaciones? Y, más fundamentalmente, ¿cómo sabes qué actores son los adecuados para tu película? ¿Qué hace diferente la actuación en cortometrajes respecto a la actuación en largometrajes?
Bob Degus:Hay diferencias realmente fundamentales desde la perspectiva de dirigir en 1 u otro formato. La actuación en cortometrajes y la dirección de actores en cortometrajes tiene unas exigencias muy específicas que son muy distintas a las de los largometrajes. Lo 1º y más importante es que no tienes tiempo para encontrar las actuaciones en el rodaje. En un largometraje, los directores trabajan con esos actores durante 50, 60, 70 días, trabajando, refinando y encontrando la interpretación. Quizás vuelves a rodar algo que filmaste al principio, porque la actuación del actor ha evolucionado a lo largo del rodaje, pero en un cortometraje, especialmente si no tienes mucho dinero, eso significa que no tienes muchos días de rodaje.
Bob Degus:Vas a trabajar con estos actores en un período muy condensado y apretado. Muy a menudo, la actuación que el actor te da el día del rodaje es la actuación que va a estar en tu película, no vas a tener espacio para volver a rodarla, modificarla ni explorarla. Sencillamente, es un período de producción mucho más comprimido. Lo 2º es que la actuación en cortometrajes va mucho más al hueso. En un largometraje, si hay un día en que el actor está un poco flojo, es muy probable que la escena anterior fuera genial y la escena siguiente también fuera genial.
Bob Degus:Ese pequeño bache en la actuación puedes sobrevivirlo, porque tienes todo ese impulso llevándote hacia adelante. Los primeros días de rodaje en un largometraje no suelen ser el material más sólido, porque el director está encontrando su ritmo con este equipo y estos actores. En la 2º semana, el equipo ya ha encontrado su paso y está haciendo un trabajo realmente bueno. Cuando programas una película, a menudo pones las escenas menos importantes en la 1º semana, para que si sale un poco rudo, no importe. Pero en un cortometraje no tienes ese lujo, estás rodando el 1º día, quizás tienes un rodaje de 2 días, quizás de 3, no hay un período lento para encontrar estas actuaciones.
Bob Degus:Boom, estás directamente en ello. Tú, tus actores y todo tu equipo necesitáis estar muy enfocados en dar lo que la historia exige de los actores desde el 1º momento, desde el 1º minuto, y es que el público conecta más rápido con los actores en los cortometrajes. En un largometraje hay una introducción lenta, donde ves el mundo de los personajes, el pueblo donde viven, sus amigos, te van presentando todos los elementos que se van a explorar a lo largo de las 2 horas. En un cortometraje no tienes eso, entras de lleno en la historia de inmediato. Piensa en el tartamudo del que hablamos en el último episodio.
Bob Degus:Enseguida te identificas con Greenwood y estás en su camino. El hecho de que el público conecte con los personajes de forma más inmediata en los cortometrajes significa que los primeros 90 segundos donde conoces a tu personaje principal son increíblemente importantes. Entonces, ¿cómo das forma a una gran actuación con un actor? ¿Cómo ayudas a un actor a dar esa interpretación? ¿Y cómo llegas preparado como director a un cortometraje para lograrlo?
Bob Degus:¿Cuál es el trabajo del director cuando trabaja con actores? Ahora bien, ese tema podría ser un podcast entero por sí mismo, es un asunto bastísimo, se han escrito 100 de libros sobre él, y creo que es realmente importante que entiendas algo que he observado, no en la sala de proyección de los Oscar, sino en rodajes trabajando con muchísimos directores. Y es que un buen número de directores le tienen miedo a los actores, y les tienen miedo porque los actores son muy dinámicos y fluidos, y tienen todo tipo de perspectivas interesantes sobre las cosas, mientras que la cámara, con la que muchos directores dominan perfectamente, un objetivo de 50 milímetros puesto en esta cámara siempre va a ser lo que hace un objetivo de 50 milímetros. Los directores tienen destreza con la cámara y con los aspectos técnicos del cine, pero cuando se trata de la dinámica de trabajar con actores, muchos directores están realmente aterrorizados, y eso es porque no se han tomado el tiempo de entender cómo comunicarse con los actores ni de estar abiertos a la exploración que los actores necesitan para crear su mejor actuación. Hablemos de lo que no debes hacer cuando diriges actores.
Bob Degus:Algunas de estas cosas son cómicas, pero vale la pena mencionarlas para que las tengas en cuenta. No le estás diciendo a un actor cómo tiene que decir una línea. No estás demostrando la actuación que quieres que den mostrándoles cómo hacerlo. No estás microdirigiendo cada elección física, cada momento emocional, y no estás esperando que el actor simplemente ejecute lo que está en el guion. Quiero contrastarlo con el trabajo en publicidad, donde le pides al actor que recoja el producto de cierta manera, que lo sostenga de cierta manera, eso es algo muy distinto.
Bob Degus:Pero en el cine quieres ser el director que crea las condiciones donde una gran actuación puede suceder. Ese es tu trabajo más importante. Me gusta pensar en la dirección como ser el anfitrión de una fiesta que estás organizando, e invitas a tus actores y a tu equipo como invitados. Es una responsabilidad muy distinta a ser el director que le exige esa actuación a un actor, quieres crear el espacio en el que una gran actuación pueda florecer. En 2º lugar, entender lo que cada actor necesita, emocional, práctica, física y personalmente, para ayudarles a comprender la verdad, la verdad interior que hay en ese personaje.
Bob Degus:Lo que descubrí cuando dirigí es que hacía toda esa planificación, lo dejaba todo trazado, sabía estos momentos para este personaje, aquellos momentos para aquel otro, y lo que encontré en el rodaje es que nada de eso importaba. La preparación era, por supuesto, necesaria, pero tuve que tirarla por la borda, porque cada actor necesitaba algo diferente de mí como director. Los grandes directores son capaces de percibir, este actor necesita que yo sea así, aquel otro actor necesita que yo sea de otra manera. Se adaptan casi como un camaleón en la forma de relacionarse con cada actor, dándoles lo que específicamente necesitan para dar una gran actuación. Es diferente a obligar al actor a adaptarse a ti, estás poniendo en marcha la situación en la que tu actor va a poder triunfar.
Bob Degus:Tu trabajo como director es también comunicar el porqué de cada escena, no el cómo, sino el por qué. El por qué le da significado a lo que trata la escena. El cómo, dónde estar de pie, cómo moverse, se lo dejas descubrir al actor. Quizás empiezo aquí de pie, quizás camino al sofá y me siento. Esas cosas surgen de lo que le resulta natural al actor.
Bob Degus:Ahora bien, es realmente importante que construyas confianza con tus actores y no la traiciones. No creo que esto sea algo que se pueda enseñar, o eres alguien que va a ser digno de confianza o no lo eres, y tienes que entender que actuar es extremadamente vulnerable, porque una gran actuación expone el alma de alguien. Quieres crear un espacio donde el actor se sienta seguro para hacer eso. Trabajé con un director una vez, un hombre muy agradable, y estábamos 2 o 3 días dentro del rodaje cuando 1 de los actores se equivocó en sus líneas. El director hizo un gran drama de ello, diciendo, el premio al 1º fallo de línea de la película se lo lleva este actor en particular.
Bob Degus:Intentaba ser amable, hacer una broma de que había estado bien equivocarse, pero lo que hizo fue avergonzar a ese actor. Vi cómo todos los demás actores en el rodaje se cerraban en banda y sentían, bueno, este es un rodaje donde nos van a ridiculizar, y lo que ocurrió fue que los actores dieron actuaciones menos arriesgadas, lo que significó que la gran actuación que la película necesitaba nunca sucedió, porque los actores se volvieron conscientes de sí mismos a causa de un error inocente, pero enorme que cometió el director. Quieres construir una relación de confianza con tus actores, donde les tengas respeto y ellos confíen en que vas a sostener ese espacio para ellos. En el teatro, los actores reciben el feedback del público y pueden calibrar su actuación cada noche. En el cine no hay público, los actores dependen de ti como director para ser el reflejo de su actuación.
Bob Degus:Si no pueden confiar en ti, no pueden confiar en ese reflejo. Lo último sobre esto es saber cuándo empujar a un actor y cuándo dar un paso atrás. Eso es algo para lo que desarrollarás un instinto. Viene de trabajar con actores, de estar en un rodaje, de ser capaz de escuchar tu voz interior y sentir el set, saber cuándo quieres empujar a un actor para que haga otra toma o cuándo simplemente quieres dejarlo estar. Con la cámara, un objetivo de 50 milímetros siempre va a crear la misma composición.
Bob Degus:Con los actores es mucho más dinámico, mucho más intuitivo, y eso es lo que hace que sea apasionante. Entonces, cuando trabajas con actores, ¿cuál es la decisión más importante que puede tomar un director? La respuesta es el casting. Creo que un director realmente solo tiene una decisión completamente libre en una película, y es a quien contratar para los papeles. Todo lo demás surge de esa única decisión.
Bob Degus:Lo entendí imaginando una película donde el mismo personaje lo interpreta John Wayne y luego Jimmy Stewart. Te puedes imaginar que eso daría lugar a 2 actuaciones completamente diferentes, O piensa en Timothye Chalamet frente a Dwayne Johnson en el mismo papel, 2 versiones completamente diferentes de la película. Tu trabajo como director es encontrar y poner a la mejor persona en tu película. Piensa en esto, digamos que tienes una visión para tu película y el actor ideal sería alguien como Timothy Chalamette, pero tienes una conexión directa con Dwayne Johnson, le encanta tu proyecto y quiere participar, así que lo contratas porque es un gran actor con quien tienes un vínculo, y entonces pasas todo el rodaje intentando que dé el tipo de actuación que podría dar Chalamet. Vas a estar luchando contra tu elección de casting durante todo el tiempo.
Bob Degus:Lo más importante para un director es elegir al actor adecuado para el papel y luego ponerte al 100 por 100 detrás de ese actor, y ayudar a ese actor a dar la mejor versión del personaje que ese actor puede dar. El actor adecuado hace posible tu trabajo, el actor equivocado lo hace completamente imposible. He estado en proyecciones donde te preguntas por qué eligieron a esa persona para ese papel. Es la elección equivocada para la actuación, es como uñas en una pizarra, te hace estremecerte porque no está en sintonía. E igualmente, he visto películas con actores muy desconocidos que están perfectamente elegidos para los personajes que interpretan, y es como una pieza musical hermosa.
Bob Degus:¿Qué debes buscar cuando haces el casting de tus actores? Lo 1º, disponibilidad emocional. ¿Puede este actor acceder a sentimientos genuinos dentro de sí mismo con rapidez y sin una preparación larga? Hay algunos actores, usaré a Daniel Day Lewis porque es el más famoso en esto, que necesitan un año de preparación. Él se convierte literalmente en el personaje.
Bob Degus:Los actores que trabajan con él dicen, nunca conocí a Daniel Day Lewis, conocí al personaje, porque permanece en el personaje y utiliza la actuación de método y es extremadamente eficaz para él. Pero si estás haciendo un cortometraje con 3 o 4 días de rodaje, probablemente sería una muy mala elección, porque no tendrías tiempo de apoyar su proceso creativo. Quieres un actor que pueda acceder a sentimientos genuinos con rapidez. Lo 2º, especificidad. ¿Puede el actor aportar algo particular e insustituible al papel que ningún otro actor puede aportar?
Bob Degus:He dicho varias veces en este podcast que debes dirigir películas que solo tú puedas dirigir. Del mismo modo, quieres encontrar al actor que sea el único actor que puede interpretar este papel. Lo 3º, presencia. ¿Puedes sostener el encuadre? ¿Quieres mirarlo?
Bob Degus:Hay una diferencia entre ver a un actor en persona y verlo en la pantalla. ¿Va a ser interesante de ver en la película? Eso es algo que tienes que evaluar. Lo 4º, inteligencia. ¿Entiende el actor la historia?
Bob Degus:¿Entiende al personaje al nivel que la película exige? Si estás haciendo una comedia, quieres un actor que tenga sentido del ritmo cómico y que te parezca gracioso. En un drama, quieres un actor con la inteligencia artística para entender de qué va todo y llevarlo a la película, y tiene que ser alguien con quien sientas que puedes tener una relación de confianza casi inmediata. Mientras conoces actores, quieres sentir, esta es alguien con quien puedo hablar, esta es alguien con quien puedo tener un diálogo. Ahora bien, digamos que estás haciendo tu película, presupuesto más ajustado, y tienes acceso a un actor muy conocido, podría ser una gran elección de casting si es el adecuado para el papel, o podría no serlo, aunque lo sea para el papel.
Bob Degus:Si te reúnes con él y piensas, no puedo trabajar con esta persona, no tiene nada de malo, simplemente no tenéis química, entonces, lo mejor es quizás no contratarlo. Vas a sentir la relación entre el director y los actores en la película. Evita hacer el casting por conexiones o por conveniencia. Poner a tus amigos en la película porque son tus amigos, o contratar a un actor famoso con quien no conectaste en la reunión porque tenías un vínculo con él. Esas elecciones te darán actuaciones menos sólidas que cuando tienes una conexión real con el actor.
Bob Degus:Algunos de los mejores cortometrajes que he visto en 30 años, revisando cortometrajes para los Oscar, presentaban actores que yo no conocía, que me eran desconocidos, pero que estaban tan perfectamente elegidos para su papel que aportaron tanta textura y viveza a sus actuaciones que la historia cobró vida. Ten presente esto, una actuación brillante de un actor desconocido siempre superará a una buena actuación de un actor famoso. Hablemos un momento del proceso de ensayo, porque es algo que veo que los directores de cortometrajes suelen hacer mal, y es importante que lo pienses desde esta perspectiva. En el teatro, el proceso de ensayo es fundamental. Pasas semanas y meses ensayando una obra.
Bob Degus:La razón es que en el teatro no hay montaje. El montaje ocurre durante el proceso de ensayo, no hay posproducción, todo tiene que estar cerrado antes de actuar. En el cine existe una etapa gigantesca llamada montaje, donde vas dando forma a la película durante la posproducción, pero eso no significa que no necesites un proceso de ensayo, especialmente al principio de tu carrera y especialmente en un cortometraje con un calendario de rodaje apretado. El proceso de ensayo es donde exploras y haces descubrimientos. No necesitas un ensayo largo al estilo teatral, pero sí necesitas un término medio entre ningún ensayo y 1 muy largo.
Bob Degus:Hay algunos actores muy famosos, Joaquin Phoenix me viene a la mente, que no ensayan. Su razón es que si descubre algo en el ensayo y las cámaras no lo capturaron, va a tener que imitarlo después y no será auténtico, y hay algo de validez en eso, especialmente si observas sus actuaciones. Pero trabajar con un actor así está bien si tienes el presupuesto para filmar todos tus ensayos en cámara, en el set, el mismo día. Sospecho que como cineasta de cortometrajes que está empezando no tienes ese lujo, así que asegúrate de que los actores que contratas van a estar abiertos a los ensayos. Obviamente, es una cuestión de presupuesto.
Bob Degus:Si les pagas, tendrás que pagarles por venir a los ensayos, pero es un paso realmente importante. El ensayo te da 1 o 2 días más para construir confianza entre tú y tus actores, lo cual es fundamental para la relación director actor. Te permite explorar el personaje juntos sin que un equipo de 50 personas os esté mirando. Puedes encontrar la historia de fondo, la vida interior, detalles específicos que quizás no van a aparecer en la película, pero que hacen que el personaje cobre vida. También estás descubriendo cosas que el actor aporta al papel que tú ni siquiera habías pensado, y esos descubrimientos te dan tiempo para pensar en cómo mejorarlos o añadir color y textura cuando lleguéis al set.
Bob Degus:También puedes identificar momentos del guion que no funcionan, líneas que son más difíciles de decir de lo que deberían, o una escena donde te preguntas, ¿por qué está esta escena en esta película? El ensayo te da la oportunidad de hacer ajustes antes de rodar, cuando es mucho más difícil hacer cambios, y el ensayo le da a tu actor el espacio para fallar con seguridad. Puede intentar cosas locas porque solo sois un par de personas en una habitación, quizás eso no funcionó. Bien, probemos otra cosa o, vaya, qué manera tan interesante de plantearlo, esa libertad de fallar sin consecuencias significa que en el set va a confiar más en ti, porque te has ganado un lugar de seguridad con él. Hay algo que se llama lectura de mesa que es increíblemente importante hacer, es cuando reúnes a todos tus actores y al equipo clave de la película, el director, el 1º ayudante de dirección, tu director de fotografía, tu montador, los productores, y leéis el guion completo de principio a fin.
Bob Degus:No es una actuación, tus actores no están al 100 por 100, pero están leyendo el guion para que tú como director puedas por 1º vez escuchar realmente el guion encarnado por personas. Sé que hay programas de inteligencia artificial donde puedes asignar personajes y escuchar la historia en voz alta. Es un paso interesante, pero es algo diferente a tener a los actores que has elegido todos juntos en una sala, probablemente conociéndose por 1º vez, leyendo el guion con el equipo que lo está haciendo presente para vivir esa lectura. Es un paso realmente crítico y normalmente se hace unos días antes del rodaje para que tengas tiempo de vivirlo y luego hacer los ajustes que quieras. Ahora bien, es realmente fundamental que no cambies el guion 1 o 2 días antes de que vaya a rodarse una escena.
Bob Degus:Los actores están preparando sus líneas, y si les entregas un guion nuevo la noche anterior van a estar muy inseguros. El foco en el set al día siguiente va a estar en acertar las líneas, en vez de en todo lo rico de la actuación que normalmente podrías estar explorando. Trabajé en un largometraje una vez donde, por diversas razones, por la productora, los actores, los guionistas, el director, hubo tantas revisiones importantes del guion que los actores, en un momento dado, simplemente se bloquearon, no podían seguir el ritmo y no podían hacer su trabajo. Clint Eastwood, que es legendario haciendo películas, no cambia el guion una vez que empieza a rodar. Tu trabajo, y lo que yo te animaría a hacer como director, es tener el guion pulido antes de llegar a la lectura de mesa.
Bob Degus:No significa que no puedas hacer ajustes menores, pero realmente quieres crear una situación en la que no estés cambiando el guion pocos días antes del rodaje, porque, como he dicho, eso hará que tus actores estén inseguros. Una de las cosas más importantes que hay que entender sobre el trabajo con actores es que no les estás diciendo cómo tienen que sentirse, le estás dando a los actores las circunstancias que evocan ese sentimiento. Estás triste en esta escena, eso no ayuda, pero decirle, tu personaje acaba de descubrir esta mañana que su madre se está muriendo, eso ya es otra cosa, eso es una indicación en la que el actor puede actuar. O, juguemos esta escena como si estuvieras absolutamente furiosa con tu marido. Eso es muy vívido, es una indicación que el actor puede realmente usar.
Bob Degus:Dar indicaciones orientadas a resultados obliga al actor a traducirlo en una acción física. Se llaman actores porque están haciendo acciones que pueden actuar. Cuanto más puras sean tus indicaciones, menos traducción tendrá que hacer el actor y mejor y más efectiva será su actuación. Una de las cosas más importantes que un director tiene que hacer en el set es proteger a los actores y proteger el espacio en el que están. Por eso, el director es la única persona que habla con los actores sobre su actuación.
Bob Degus:El resto del equipo no habla con los actores sobre su actuación, los actores se confundirían. Hay una relación muy sagrada entre un director y un actor. Voy a contar una historia, no puedo decirte quién era el director ni cuál era la película, pero trabajé con un director de mucho éxito al que le pagaban 1000000 de dólares por dirigir. Después de cada toma, el 1º ayudante llamaba a la acción, y entonces el director gritaba, dame algo bueno, y a veces, dame algo grande esta vez. Era muy perturbador para los actores, y varios de ellos estaban molestos y hablaron conmigo al respecto.
Bob Degus:Le pregunté al director y me dijo, leí en un libro que los actores quieren mucho complacer al director, así que simplemente les estoy dando permiso para hacerlo. Pero lo que en realidad estaba haciendo era cerrar el espacio. Contrástalo con Clint Eastwood. Clint Eastwood no grita acción. 1º, pide sonido, luego cámara y luego dice tranquilamente, cuando quieras.
Bob Degus:Si sientes la diferencia entre acción y cuando quieras, esas 2 frases crean 2 lugares completamente diferentes desde los que tus actores pueden actuar. Ten en cuenta que la 1º toma es realmente una toma sagrada, muy a menudo es la mejor actuación que el actor va a dar, no siempre. Algunos actores necesitan calentarse y quizás la 8º toma sea su mejor. Eso es algo que tendrás que descubrir como director, y puede que organices el rodaje para adaptarte a ello. Si un actor está mejor en la 1º toma y empieza a decaer, rueda su 1º plano antes.
Bob Degus:Si está mejor en la toma 8 o 9, rueda al otro actor 1º para que este se vaya calentando, y cuando esté a punto de estar en su mejor momento, da la vuelta a la cámara y lo ruedas. Clint Eastwood raramente rueda más de una toma, porque siente, eso es, lo tienes. En un calendario apretado, quizás 2 o 3 tomas y luego hay que avanzar, saber esto sobre tus actores importa. Piensa en cómo te comunicas con tus actores después de cada toma. Lo 1º que tienes que hacer después de decir corten es ir a hablar con tus actores.
Bob Degus:No hables con el director de fotografía, no hables 1º con nadie más, ve y comenta cómo ha ido la actuación, y luego da los ajustes para la siguiente toma. Lo que he visto que ocurre tantas veces, especialmente trabajando con estudiantes, es que hablan con el director de fotografía, con el gafer, con todo el mundo menos con los actores, porque les da miedo ir a hablar con ellos. Habla 1º con los actores, no a través de un megáfono. Levántate de tu silla y ve a hablar con ellos, y cuando estés dando ajustes, no son correcciones. No estás diciendo, no hagas esto, haz esto otro, les estás dando información nueva.
Bob Degus:Plantearlo como un, ¿y si? ¿Y si en este momento ella en realidad le encuentra gracioso en lugar de amenazante? La idea del y si aporta una energía lúdica y abre posibilidades, en lugar de un sermón del tipo, lo hiciste mal, así que esta vez déjame decirte cómo hacerlo diferente. Estás sumando a lo que el actor ha hecho, estás tomando lo que han hecho y añadiendo el siguiente elemento. No encadenes 5 o 6 cosas, verás cómo los ojos del actor se ponen vidriosos, dale una sola cosa concisa que ayude al actor a dar un enfoque diferente en la siguiente toma.
Bob Degus:Una de las cosas que aprendí muy pronto trabajando con un director de mucho éxito, no existe una única manera correcta de hacer una escena, eso es un supuesto incorrecto, hay un abanico de formas en que el actor podría interpretar una escena y un abanico de emociones igualmente válidas que podrían suceder. A este director en particular le gustaba mucho conseguir diferentes matices de una actuación para que en la posproducción pudieras elegir una interpretación más intensa o una más rápida o una más pausada. Intentaba obtener un abanico de matices que poder usar en la sala de montaje en lugar de buscar la única actuación exacta y correcta. Piensa en cuál es tu objetivo y en cómo puedes ayudar a tus actores a dar la mejor actuación posible que luego puedas usar cuando estés montando tu película. Estaba pensando en todas las actuaciones que he visto como votante de los Oscar, revisando cortometrajes.
Bob Degus:Y si tuviera que destilar la esencia en 3 cosas que me resultan memorables de las actuaciones verdaderamente extraordinarias, esto es lo que diría. Lo 1º, la actuación del actor desaparece dentro del personaje. No es un actor interpretando una escena, no es un actor que indica estas cosas, es donde el actor se convierte en el personaje, y es ese personaje. Ya no estoy viendo siquiera una actuación, sencillamente son ese personaje. Puedes llamarlo verdad o presencia o como quieras, pero es una actuación cruda, real y auténtica.
Bob Degus:Eso es creo lo más importante que puedo nombrar, y a menudo es ahí donde contratar a un actor muy famoso puede jugar en tu contra, porque ahora estoy viendo a Tom Hanks, y ese es un estado mental diferente a estar simplemente viendo al personaje de la película, quieres que la actuación se sienta auténtica y real en tu corazón. Lo 2º, la quietud. Algunas de las actuaciones más poderosas de los actores son cuando están escuchando. Piensa en un patrón de montaje tradicional donde este actor habla, así que la cámara está en él, luego ese actor habla y la cámara está en él. Pero lo que me resulta realmente fascinante es cuando el actor está escuchando lo que dice el otro personaje, y esa quietud es donde, si son un gran actor, puedes ver que están pensando en lo que se está diciendo, procesándolo como ese personaje.
Bob Degus:Muy a menudo los directores se centran solo en las lecturas de líneas, en lugar de en la escucha, pero la escucha es realmente donde sucede parte de la actuación más poderosa. Si te fijas en los cortometrajes que voy a compartir contigo, lo vas a ver una y otra vez. Pasan mucho tiempo en la quietud con los actores escuchando y pensando. Lo 3º, actuaciones que te sorprenden. Esto es difícil de cuantificar, pero tú mismo como espectador de cine lo sabes cuando lo ves, donde los actores hacen cosas realmente interesantes y extraordinarias que te deleitan y te cautivan y te mantienen mirando la película.
Bob Degus:Eso es algo que el actor esperamos que aporte en las audiciones, y tú le vas a dar el espacio en tu set para explorarlo, para que tengas ese oro que han creado y puedas elegir los mejores momentos en la posproducción. Deja espacio para esas sorpresas de actuación, esos accidentes, ese oro cinematográfico, para que sucedan en tu set, y así tenerlos cuando estés montando tu película. La mayoría de los actores son personas verdaderamente extraordinariamente dotadas, y aportan una manera poderosa de entender nuestra propia humanidad. Creo que realmente merecen ser valorados y respetados. Recuerdo cuando estaba produciendo la película Pleasantville con Steven Soderberg, John Kilic y Gary Ross.
Bob Degus:Desde el principio del rodaje, sabíamos que estábamos haciendo una buena película. Protagonizaban Toby McGuire, Rhys Witherspoon, Jeff Daniels y Bill Masie. Había muchos actores extraordinarios en esta película, pero llevábamos un par de semanas rodando, y entonces apareció Joanne Allen. Ella interpreta a la madre en la película, y en su 1º día de rodaje dio una actuación tan extraordinaria que elevó toda la película. La película se convirtió en algo significativamente mejor gracias a su actuación.
Bob Degus:Recuerdo estar en el set y que estaba claro para todo el equipo que de repente estábamos haciendo una película extraordinaria gracias a Joan Allen. Y lo que hizo es inspirar a todos los demás actores a subir también el nivel de sus actuaciones y de su trabajo. Ahí es donde entendí lo increíblemente importantes que son los actores y por qué sostener el espacio para que hagan algo extraordinario importa tanto, porque, entonces, van a inspirar a todos los demás, desde el director de fotografía hasta el montador y los productores, a elevar su nivel y aportar más energía al proyecto. Los actores son personas muy especiales, creo que es un privilegio que los directores tengan la oportunidad de trabajar con ellos. Trabajé con Brad Pitt muy al principio de su carrera, produje un cortometraje nominado a los Oscar, en el que él participaba, y en esa película aprendí la importancia de la relación entre el director y la estrella de la película, pero quizás esa sea una historia para otro podcast.
Bob Degus:Creo que como directores y como cineastas, cuanto más te eduques sobre los actores, más éxito vas a tener haciendo tu película. Entonces, ¿qué significa esto para tu película ahora mismo? Bien, eso depende de en qué parte del proceso estés. Si todavía no has hecho el casting, dedica una cantidad tremenda de tiempo a pensar y escribir descripciones de personajes que vayan más allá de los atributos físicos, porque en realidad cualquiera podría interpretar al personaje, y si estás fijado en un color de pelo específico o un tipo de cuerpo específico, estás limitando tu universo de actores disponibles. Ahora bien, si es verdaderamente necesario para el personaje, eso es otra cosa, pero la mayoría de las veces, cuanto menos restrictivo seas físicamente, más opciones de grandes actores vas a tener.
Bob Degus:Dedica mucho tiempo a las descripciones de personajes, escribir sobre lo que sienten estos personajes, lo que quieren, de qué tienen miedo, qué quieren esconder. Aunque no sean escenas que estén en tu guion, piensa en su historia de fondo, en cosas que han ocurrido en el pasado del personaje que te ayudarán a entender quiénes son. Antes de la producción, programa ensayos con tus actores donde estés muy enfocado en conocerlos, construir una relación de confianza y explorar cosas juntos. Encuentra una dinámica de trabajo que puedas llevar contigo al set, una que les ayude a dar sus mejores actuaciones. Cuando estés dirigiendo a tus actores en el set, intenta dar indicaciones de una manera que el actor pueda entender y con la que pueda trabajar.
Bob Degus:No des indicaciones orientadas a resultados, diciéndoles qué tienen que hacer, sino darles un deseo. En esta escena, este personaje necesita que él la perdone. Esa es una manera mucho más limpia de dar una indicación. Quiero tomarme un momento para compartir este libro contigo, se llama directors, de Judith Weston. Si solo vas a leer un único libro sobre cine en toda tu vida, deberías ser directors, de Judith Weston.
Bob Degus:Es un libro extraordinariamente bueno para ayudar a todo director, sin importar cuánta experiencia tengas, a entender cómo comunicarse con los actores. Ella trabajaba como directora de casting y asistente de dirección de casting, y estaba horrorizada por lo mal que los directores de cine se comunicaban con los actores. Podían comunicarse con la cámara, con el equipo, pero con los actores eran pésimos, y sintió una necesidad real de escribir un libro para dar a los directores un lenguaje y una forma de comunicarse con los actores. Es un libro extraordinario, profundo, fácil de leer y fácil de asimilar, que te ayudará exponencialmente a trabajar con tus actores en tu set. Eso es en el set.
Bob Degus:Y luego, si has rodado tu película y la estás viendo ya terminada, quieres ser sincero contigo mismo mientras la miras, asegurarte de que hay verdad en las actuaciones de tus actores, no mirando la iluminación, no mirando la composición del plano, no mirando el vestuario, sino preguntarte si hay verdad en lo que se está diciendo. Puedes hacer esto escuchando, casi cierra los ojos y escucha las palabras tal como se están diciendo en tu película. ¿Te suenan verdaderas? Si la respuesta es no, quizás busca otra toma donde haya más verdad en lo que se está diciendo. También puedes usar esta técnica en el set, escuchar lo que dicen los actores, porque la voz revela mucho más si algo se está diciendo con autenticidad o si suena un poco forzado.
Bob Degus:Así que este es el episodio, un episodio panorámico sobre cómo trabajar con actores y cómo pueden elevar tu película y hacerla exponencialmente mejor. Espero que haya sido útil. Gracias. Acompáñame en el episodio 7, el cortometraje que lanzó a Brad Pitt y lo que nos enseña. Una cosa más.
Bob Degus:Si el episodio de hoy te ha inspirado, visita Hollywood Film Coach punto Substack punto com para encontrar el material complementario. Es un artículo original que profundiza en la idea más importante del episodio de hoy, e incluye enlaces a todas las películas de las que hemos hablado para que puedas verlas tú mismo y sacar tus propias conclusiones. Te espero allí. La diferencia entre un cortometraje bueno y 1 premiado es más pequeña de lo que crees. Cerrar esa brecha es de lo que trata este podcast.
Bob Degus:Soy Bob Degus. Este es el coach de cine de Hollywood podcast. Suscríbete, deja una reseña y compártelo con un cineasta que necesite escuchar esto.
Eleven Labs:La voz de Bob Degus en este episodio fue creada por la IA de Alaben Labs, basada en su podcast original en inglés, Hollywood Film Coach.
